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旧梦、新生与下一代巴黎

很多我们今天熟悉的童话故事，最初都没有固定版本。《灰姑娘》《小红帽》《美女与野兽》这样的故事，在不同文化中都有相异的变体，它们像河流一样，随着讲述者、时代和地域改变叙事方式。

高定秀场仿佛现实中的童话故事，把现实空间变成了充斥着愿望和幻想的梦想之地。那如果？一场秀原本就始于一本童话呢？

Matthieu Blazy 接任后第二次高定发布，故事从康朋街31 号的露台与一颗魔豆开始——Blazy 的灵感概念来自Gabrielle Chanel 寓所中的一本童话书《Jack and the Beanstalk》，他试图想象：“如果Coco Chanel 的人生是一场童话，会是什么样？”

于是，他将巴黎大皇宫转化为一个充满幻想色彩的森林世界：巨大的花朵、藤蔓、漂浮般的装置，让整个秀场像进入一本被打开的故事书。开场造型为 Chanel 新系列迅速确立了轻盈飘逸的气质，工匠以珠绣逐针塑造出的视觉效果重现着经典斜纹软呢的纹理，金色颈圈上缠绕着翠绿藤蔓，珍珠流苏顺势垂落，鞋跟则被设计成豆荚形态。而整体造型中最令人会心之处，莫过于模特手中那本童话书。

童话故事就此拉开帷幕。秀场上，浅色与轻薄面料赋予服装呼吸感，羊毛薄纱经过逐褶手工塑形，拉菲草编织的草帽与流苏外套仿佛带我们回到古老又梦幻的田间，手绘的真丝衬里、缝在衣服内的笔记仿佛在诉说一种关于高定的本质——那些只有穿着者本人才会感受到的私密与真诚。细节则是极富想象力的，纽扣化为城堡、豆荚、金靴、竖琴；部分鞋跟被设计成光滑漆面的金蛋或实心金球，呼应杰克从巨人处带回的宝物；手拿包变成了彩色豆子或熟睡小熊的模样；模特的发辫中藏着仿佛由喜鹊衔来的金色珍宝。

Jonathan Anderson 同样在发挥着如童话般的想象力，设想一下当你置身深林中，成为行走的花朵本身会是怎样的情景吧——Jonathan 在Dior 的第二季高订秀场选择在巴黎罗丹博物馆花园中的黑色玻璃温室举行，自然植物、透明建筑与Dior 的语境交织，令行走的高订作品像一件件漫游其中的雕塑。

对于任何进入Dior 的设计师而言，Bar Jacket 都是一道无法绕开的命题。1947 年，这件强调腰线、胸部和裙摆比例的经典外套改变了战后女性着装方式，也成为Dior 最重要的文化符号之一。而本季Jonathan Anderson 将之处理成柔软、扭曲甚至接近液态的形态，深色Bar Jacket 之下，一条以银色网纱叠加不规则色块的彩色半裙，与外套形成了强烈的视觉对比。部分裙装上的立体褶裥像折叠的纸张，也像雕塑留下的痕迹；柔软的薄纱、花卉刺绣、珠饰、流苏、织物肌理带来一种东方工艺与西方雕塑语言的碰撞。

他的灵感来源于美国雕塑家 Lynda Benglis 的作品，Benglis 的作品经常挑战材料的边界，金属像液体一样流动，形态介于自然和人工之间。Dior 最具标志性的元素之一——蝴蝶结，也通过与Benglis 著名的打结雕塑形式融合，面料被扭转、打结、固定，仿佛正在制作的雕塑，鞋款则饰以金属压褶蝴蝶结；造型中的扇形元素来自Benglis 在 1970 年代末创作的《孔雀》系列，印度的传统织物工艺呈现在了Petit Dîner 手袋与迷你Lady Dior 手袋之上，让人耳目一新。

同一件时装，也许可以拥有两个灵魂。这是 Viktor Horsting 与Rolf Snoeren 的设想。Viktor&Rolf 的高定秀场向来是梦幻的，令人浮想联翩的，本季却多了一丝抽离感和反思的意味，Viktor Horsting 与Rolf Snoeren 将目光投向了 19 世纪末美国镀金时代，又将如今的世界视为镀金时代 2.0，讨论起当代社会对于装饰、财富与过度消费的迷恋。秀场上的两位模特——Elpida Voryas Georgiadi 与Nathalie Haerlemans，如同面对着镜中的两个自己，在旋转舞台上同时更换服装，一边走向黄金般的极致装饰，一边走向粗粝朴素的自然材质。

看似简单的棉质浴袍开场，但打开之后露出完全不同的内里世界。一件隐藏着粗织黄麻材质，另一件则呈现镀金花卉蕾丝；普通与奢华、日常与仪式感，在同一个身体上同时存在。随后，高定经典元素被不断放大。巨大蝴蝶结成为贯穿系列的重要符号；层层堆叠的荷叶边像盛开的花瓣，从肩部蔓延至裙摆；夸张的泡泡袖重新唤醒维多利亚时代的戏剧感；一件拖地大衣以三维立体玫瑰覆盖整个身体，既像浪漫主义绘画中的盛放花园，也像一件经过规划的雕塑作品——有时，梦境也是清醒的。

但行走在清醒的梦境中，做梦的人常常忘记自己是醒着的，他们一路欢声笑语，纵情愉悦。很多我们今天熟悉的童话故事，最初都没有固定版本。《灰姑娘》《小红帽》《美女与野兽》这样的故事，在不同文化中都有相异的变体，它们像河流一样，随着讲述者、时代和地域改变叙事方式。

符号学家洛特曼提出过一个精辟的观点：经典是整个文化的记忆装置。它像一个宝库，里面储存着生成无限新形态的规则和代码。

但经典究竟意味着什么？它似乎与时间有关，经历几十年甚至几个世纪，依然被人观看、讨论、模仿。但如果仅仅依靠时间，为什么有些旧物最终消失于历史，而另一些却不断被重新发现？为什么一件诞生于上世纪的设计，在今天依然能够被渴求，乃至成为新的潮流？

或许正因为经典的生命力并不只来自它本身的形式，而是因为它被不断地解构与阅读，不断生成着新的意义。在Giorgio Armani 于 2025 年离世之后，Armani Privé 迎来了由Silvana Armani 主导的新篇章，但无人不感到这一切仍是关于印象中的Giorgio Armani 的——这场秀在品牌位于巴黎第八区的“家”——Palazzo Armani 举行，柔和的光线落在模特身上，让丝绸、天鹅绒、珠饰与水晶随着步伐产生细微变化，仿佛观众进入了一间只在深夜开启的私人衣橱。高腰、流动感剪裁的长裤，与短款夹克、强调肩线的外套结合，延续了Armani 长期以来对于男性化剪裁和女性柔美之间关系的探索。

开场造型呈现出一种介于睡衣与晚装之间的暧昧感，轻盈的缎面套装、垂坠的丝质长袍；Armani 标志性的流线型剪裁贯穿始末，柔软的肩线、修长的裤型、略微宽松的外套轮廓令人感到情绪上的舒缓；午夜蓝、墨黑、烟灰、深紫与柔和金色交替出现，如同城市灯光倒映在丝绒表面。偶尔出现的银色亮片与水晶刺绣，则像隐藏于黑暗中的星光。

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同样，与许多试图解构女性身体的当代设计师不同，Zuhair Murad 并不回避华丽。他相信高级定制依旧可以属于梦境、庆典和浪漫，可以让女性进入一个比现实更加璀璨的世界。这一季的Zuhair Murad 多了一层神秘感。秀场仿佛进入一片午夜森林，色彩从明亮宝石色转向更加深沉的夜晚色调：墨黑、深绿、酒红、月光般的银灰，以及渐变般的暗色层次，共同构成一座被夜色笼罩的花园。一件酒红色天鹅绒夹克以肖像领口勾勒肩颈线条，胸前仿佛生长出一片盛放的花园；立体花朵从面料表面层层绽开，像植物从夜色中苏醒；黑色无袖礼服则让藤蔓沿着身体曲线蔓延，拥有向外生长的力量。

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Iris van Herpen 一直是高级定制中最接近未来主义的一位设计师。但今天我们重新审视她的作品，仿佛能够找到一种数字时代的经典感——这也许是一种错位，但不可否认的是，在十年甚至更久的时间内，她所创作的时装形态影响了我们对未来数字时装的幻想。

她成就了一种典型之态。她的衣服曾经像来自另一个维度，3D 打印、激光切割、流体模拟、数学结构、生物形态、声音与机械运动……她不断尝试将自然科学、数字技术与高级定制结合，让服装摆脱传统裁剪逻辑，成为介于身体、建筑、雕塑与生命形态之间的存在。

本季高级定制系列“Sonic Starquakes” 继续延续她长期关注的主题：宇宙、能量、声音与不可见的自然力量，比如将发光的等离子元素置于玻璃管结构中，环绕肩部，同时结合约 3 万个手工制作的虹彩球体，让服装像一个漂浮于身体周围的星云——许多所谓未来视觉，已经越来越像Iris van Herpen，AI 生成图像中的液态服装、虚拟人物身上的数字礼服、游戏世界里的未来身体。

如今，未来正在使用她留下的经典词汇。

幻想有时候是一根刺，它令你感到刺痛、陌生，却又忍不住地想要伸手触碰。高定设计师们尝试着将这根刺附着在高定的形式之中，也许这件时装并不是最贴合身体、最衬托曲线或者耗费了巨大手工时间的，但它却反映着我们的所思所想，我们忍不住停下，一次次地坠入它所营造的艺术之境。

Pierpaolo Piccioli 加入 Balenciaga 后的首次高定系列，此前 Demna 在 Balenciaga 建立了极具时代感的廓形语言——巨型比例、街头文化、身份转换、对奢侈定义的挑战，而Pierpaolo Piccioli 则是充满女性气质与浪漫主义的。

Cristóbal Balenciaga 曾经通过建筑般的廓形改变 20 世纪女性服装，而Piccioli 选择从这份遗产出发，将关注点重新放回身体、比例与手工制作本身。秀场选择在巴黎国际大学城的阶梯前展开。不同于传统高定秀场的封闭空间，模特沿着建筑台阶缓慢走下，在巴黎夏日强烈阳光中耀动着。

系列在极简与戏剧之间不断转换，首先一套巨大比例的白色高级定制 T 恤与宽松长裤出现，外搭一件覆盖红色羽毛的廓形外套。既带有 Balenciaga 对体积感的传统，又融入了轻盈和自由感。一件黑色剪裁礼服拥有极其简洁的正面，却在背后隐藏巨大空间——长长垂落的缎面围巾从肩部延伸，随着模特移动形成流动轨迹。绿色斗篷式外套则在背部开口边缘装饰荧光绿色羽毛，让传统高级外套拥有近乎未来主义的视觉效果。

同样，Duran Lantink 也是首次为品牌创作高定系列，继续保持着品牌创始人 Jean Paul Gaultier 留下的实验精神，挑战身体、挑战规则、挑战人们对于美的固定想象。秀场像是一间未来主义实验室，身体呈现着不同的可能，从我们都知道一定会出现的锥形胸衣，到身材比例的重新想象、男性裙装到对于性别边界的探索……夸张扩大的臀部轮廓、被重新塑造的胸部结构、仿佛人体外部生长出的装置，让身体看起来像经历了一场未来医学。

材质方面，系列大量使用具有未来感的合成材料、透明结构以及仿生表面。部分造型如同第二层皮肤覆盖身体，光泽感让模特像从科幻电影中走出；另一部分则通过柔软织物与硬质结构之间的冲突，制造一种人类与科幻共存的视觉效果——这不仅令人思考：如果身体可以自由变化，如果身份可以不断流动，那么时装是否也应该拥有无限可能？

与此同时，超现实主义亦是一场关于身体想象的实验，Elsa Schiaparelli 曾经相信，时装应该拥有制造惊奇的能力。Daniel Roseberry 在本季想象着未来的人类——面对不可理解的未来、人与机器融合后的身体，以及人类面对不可理解事物时产生的敬畏感。

种种造想之下，我们既恐惧，又被吸引。本季高级定制系列名为“深渊”，超现实主义在这一季被推向更远。乳胶质感胸甲，如同第二层皮肤；透明、光滑、带有液态感的材质，让人体仿佛经过某种未来技术重新制造；黑色膨胀状触须从身体延伸，如同深海生物的器官；裙身上的立体结构仿佛珊瑚、外星植物或者人工智能生成的新生命；传统高定中的刺绣、珠饰与羽毛，被重新组合成陌生的视觉语言——美不一定意味着熟悉，有时真正令人着迷的，是那些让人停下来思考的、意味不明的事物，就像一开始我们形容的那根刺。

陌生化亦有其他的形式表现——花朵、玩偶、皇冠、糖果色彩，这些通常属于儿童世界的符号，在Robert Wun 的手中变得更加复杂，出生于香港、成长于英国的他则是近年来高级定制领域最具个人叙事性的年轻设计师之一。他的作品经常围绕时间、记忆、伤痕和身体变化展开。本季Robert Wun 高定依旧延续这种个人化表达，从童年出发的系列中可以看到许多极致的轮廓——尖锐肩线、雕塑化胸衣、巨大裙摆与夸张比例，让服装像角色服装一样拥有明确人格。可以是美丽的幻想，也可以是潜藏的阴影，一件礼服可能像身体外部生长出的保护层，一件婚纱也可能同时拥有浪漫与脆弱。